Resumo UFRGS - Florbela Espanca-convertido

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Análise das leituras obrigatórias:

Marcos essenciais da obra de Florbela Espanca: A poesia de Florbela apresenta um forte apego ao formalismo (métrica, rima com o predomínio do soneto), numa espécie de passadismo formal, bastante diferente da geração dos poetas mais destacados nos anos de 1910-1930, embora tanto Fernando Pessoa quanto Mário de Sá-Carneiro tenham praticado poemas de forma fixa durante toda a sua carreira. A vida conturbada da poeta, com seus desejos e privações, constantemente aparece na sua obra, por isso podemos afirmar que seus poemas trazem um forte biografismo, no qual não é possível diferenciar o eu-lírico da própria poeta. Sua obra vai mostrando a transição de uma postura de mulher mais submissa, que se compraz com o mínimo amor que recebe (por isso com um caráter mais místico) para uma postura de busca de prazer voluptuoso e carnal (e assim, mais erótica). Para desenvolver suas poesias, Florbela criou diversas personas ( a monja, a princesa, a romântica – Maria das Quimeras -, a pagã, a mater redentorix, a ninfa sacerdotisa). Elas são várias máscaras, que apresentam uma dramaturgia de si mesmo, rompendo de vez com o caráter uno da representação da mulher, porém é importante destacar que elas não configuram heteronímia, visto não terem estilo próprio ou, sequer, uma identidade constituída. Elas são mais modos de como a poeta está se sentindo em determinado momento. E, ao se desdobrar nas suas personas (que, também é relevante destacar, não estão em todos os seus poemas), a poeta busca configurar uma identidade feminina e de artista (por isso a utilização do termo poetisa, em dado momento de sua obra). Na seleção de textos apresentados aqui, também não há exemplos de todas as personalidades criadas.

A voz feminina que aparece nas poesias de Florbela Espanca poderia remeter às Cantigas de Amigo medievais que, apesar de seres escritas por homens, tinham um eu-lírico feminino, porém é preciso reconhecer uma atitude ativa dessa voz feminina no século XX e, assim, a incorporação da postura masculina presente nas Cantigas de amor. É como se Florbela unisse as duas tradições, pois a mulher que é capaz de cantar seu amor pelo homem está tendo uma atitude que historicamente era masculina. Isso a associa ao romantismo, pois o sentimentalismo, o tédio, a angústia e a subjetividade transbordam de seus versos, sem abrir mão do simbolismo finissecular, como as ambivalências, a espiritualidade, o misticismo, o onírico e o afastamento da realidade presentes nos seus temas. Sobre isso podemos pensar que: Florbela se apodera dos mitos sociais masculinos, não para suportá-los enquanto tais, não para reproduzi-los, mas para dialogar com eles, para conhecê-los, vasculhando-os por dentro a

pontos de vestir deles a máscara, num reforço crítico de descerramento da sua própria feição íntima.

E ainda que: Marginalizada, a mulher é a noite escura, símbolo que se opõe á claridade, ou mesmo ao sol, à luz da beleza, harmonia do mundo masculino. À noite, enquanto símbolo, encerra em si a marginalidade feminina, expulsa do Paraíso, a Lilith, cujo mito sobreviveu pelos significantes atribuídos à mulher pela Igreja na Idade Média, que procurou enfatizar o caráter maligno deste sexo, embora a Igreja tenha apenas se referido à companheira de Adão, Eva.

Pensamos que a melhor maneira para entender a obra de Florbela Espanca se dá com a evolução temática que acompanhamos através do tempo. Por isso, optamos por organizar os poemas em uma ordem minimamente cronológica (de acordo com os anos de escrita e publicação de seus textos), mesmo que isso significasse tirá-los da ordem apresentada pela banca da UFRGS, Para que o aluno facilmente se organizasse, foram mantidas as numerações da lista original, mas distribuídas pelas datas de produção/publicação. Antes de cada bloco de poemas foi feita uma apresentação dos temas daquele livro, ainda que seja bastante improvável qualquer cobrança do tipo “identificação” do livro a que pertence esse ou aquele poema.

Análise dos principais de Florbela Espanca Trocando olhares → (conjunto de poemas escrito entre 1915-1916, mas só publicado na década de 1980). Aponta para uma inaugural representação do feminino na obra do poeta. A moral burguesa com todos os seus valores e papéis predeterminados, impera. Ausência de identidade que aproxima a mulher à natureza, mais afeita a entendê-la e fazer-lhe companhia, daí vem o forte sentido telúrico → ligação com os elementos da natureza. A poetiza se compraz em sofrer, criando uma imagem romântica de poeta.

A MULHER 1 (1915-1917)

A MULHER 2 (1915-1917)

Um ente de paixão e sacrifício,

Ó mulher! Como és fraca e como és forte!

De sofrimento cheio, eis a mulher!

Como sabes ser doce e desgraçada!

Esmaga o coração dentro do meu peito,

Como sabes fingir quando em teu peito

E nem te doas coração, sequer!

A tua alma se estorce amargurada!

Sê forte corajoso, não fraquejes

Quantas morrem saudosas duma imagem

Na luta; sê em Vênus sempre Marte;

Adorada que amaram doidamente

Sempre o mundo é vil e infame e os homens

Quantas e quantas almas endoidecem

Se te sentem gemer hão de pisar-te!

Enquanto a boca ri alegremente!

Se as vezes tu fraquejas, pobrezinho, Essa brancura ideal de puro arminho

Quanta paixão e amor às vezes têm

Eles deixam pra sempre maculada

Sem nunca o confessarem a ninguém Doces almas de dor e sofrimento!

E gritam então os vis: “Olhem, vejam É aquela a infame!” e apedrejam

Paixão que faria a felicidade

A pobrezita, a triste, a desgraçada!

Dum rei; amor de sonho e de saudade Que se esvai e que foge num lamento!

Vamos definir os dois poemas de uma única vez, pois eles são faces de uma mesma moeda: o que significa ser mulher. No primeiro texto as oposições (fraca/forte) vão mostrando que a mulher precisa esconder o que sente, pois, se for percebida como fraca demais, será pisada, já que o mundo é masculino, e a referência à mitologia grega reforça essa posição. É necessário ser forte para não dar ao homem a opção de pisar nos sentimentos femininos. No segundo poema temos, novamente, a definição de mulher através do binômio força/fraqueza, mas agora o destaque é para o amor e a paixão que ela carrega e que, no mais das vezes, não pode confessar a ninguém, pois o papel social a que ela pertence exige que seja submissa.

Livro de mágoas → (é uma coletânea de 32 sonetos, publicada em 1919 sem alcançar sucesso de público).

A Florbela do primeiro livro apresenta a face que se preocupa com vários aspectos sociais, culturais e comportamentais femininos, a partir dos quais são desenvolvidas, expostas, as suas mágoas. A ambiguidade das imagens de mulher que percorrem o Livro de Mágoas retorna os arquétipos míticos femininos, relacionados à razão e à desrazão na nossa cultura ocidental. Encontramos o arquétipo da mulher amaldiçoada e culpada pela Queda do Paraíso, também resignada, à sombra do mundo masculino, a Eva, expresso na mágoa da poetisa que vive à margem, discriminada, assim como a mulher da Queda.

EU (1919) Eu sou a que no mundo anda perdida.

Sou aquela que passa a ninguém vê.....

Eu sou a que na vida não tem norte,

Sou a que chamam triste sem o ser.....

Sou a irmã do sonho, e desta sorte

Sou a que chora sem saber porquê.....

Sou a crucificada..... a dolorida..... Sou talvez a visão que alguém sonhou, Sombra de névoa ténue e esvaecida,

Alguém que veio ao mundo pra me ver

E que o destino amargo, triste e forte,

E que nunca na vida me encontrou!

Impele brutalmente para a morte! Alma de luto sempre incompreendida!

Em um dos mais famosos poemas de Florbela Espanca, temos a definição do eu-lírico, que neste caso podemos considerar como a própria poetisa, como um sujeito que busca definir-se frente à sociedade. É a descrição de uma mulher (vista nos pronomes e adjetivos) que sente não saber para onde ir, não ter lugar certo para ocupar e ter de buscar o seu espaço no onírico (no sonho). Percebe-se uma mulher vinculada à sociedade judaico-cristã com o lugar que pode ocupar bem definido, por isso ser alguém é tido como um sonho, pois ela, verdadeiramente, passa como que invisível, pois está marginalizada pelo desejo que manifesta.

A partir da repetição do verbo ver ( que marca desconforto e dor), da presença da névoa (que apresenta a indeterminação do sujeito) e dos binômios alguém/ninguém; tudo/nada; razão/desrazão, etc.) temos o que é visto e aceito pela cultura tradicional e que não é capaz de encontrar o eu-lírico pelo desencontro casual ou pela inaceitabilidade do que esse ser se tornou.

VAIDADE (1919) Sonho que sou a Poetisa eleita,

Sonho que sou alguém cá neste mundo.....

Aquela que diz tudo e tudo sabe,

Aquela de saber vasto e profundo,

Que tem a inspiração pura e perfeita,

Aos pés de quem a Terra anda curvada!

Que reúne num verso a imensidade!

Sonho que um verso meu tem claridade

E quando mais no céu eu vou sonhando,

Para encher todo o mundo! E que deleita

E quando mais no alto ando voando,

Mesmo aqueles que morrem de saudade!

Acordo do meu sonho.... E não sou nada!......

Mesmo os de alma profunda e insatisfeita!

Retomando o tema do poema anterior, a dimensão do sonho retorna fortemente, mas agora direcionado a uma faceta específica do ser: Poetisa eleita (com letra maiúscula mesmo, pois ser poetisa é ser mulher, e essa identidade se opõe à masculina, o poeta). Ser poetisa eleita é conseguir construir o verso perfeito, é deter o saber, que faz parte do mundo solar, masculino e apolíneo, que se opõe à escuridão e à desmedida, tanto dos significantes quanto do próprio motivo poético da mulher. Ao longo do poema, esse sonho que vai se desenvolvendo e ganhando potência, chega no final com a descoberta de que resultado no não ser nada. Temos então o movimento de ascensão e queda, ascensão pelo desejo e queda pela realidade, numa atitude tipicamente simbolista (presente em Baudelaire, por exemplo) de que no seu próprio mundo o poeta é um ser que alça incríveis voos, mas frente à realidade ele não passa de mais um ser estranho e inútil. No caso de Florbela, entretanto, isso se amplia, pois não é apenas a relação de um poeta com a realidade, mas sim de uma poetisa com a realidade eminentemente masculina.

Sóror Saudade → (publicado em janeiro de 1923, composto de 36 poemas). Neste livro podemos perceber o diálogo de Florbela com o amigo e poeta Américo Durão, que , em um poema, a havia alcunhado de Sóror Saudade, expressão que significa irmã (no sentido religioso de freira) saudade. É como se Américo percebesse uma persona florbeliana que sempre “reza” as mesmas orações e que, por isso mesmo, fosse uma inspiração para o encontro com o transcendente e um mundo melhor. Florbela, como era comum na época, respondeu ao amigo também com um poema denominado justamente “Sóror Saudade”, no qual apresenta a noção, de que o nome (e a persona) é como um vitral, que permite a passagem do sol, ilumina de uma maneira bela e tem a capacidade de alterar a percepção de um espaço fechado, como se o próprio sonho ali habitasse. É este um livro de transição nas visões de mundo da poetisa e de como ela as apresenta, pois vai deixando a melancolia de lado, pouco a pouco, para assumir uma feminilidade mais ousada e assertiva. O amor, e não o sofrimento, surge como motivo principal desse segundo livro de Florbela Espanca.

FANATISMO (1923) Minh´ alma, de sonhar-te, anda perdida.

“Tudo no mundo é frágil, tudo passa”.....

Meus olhos andam cegos de te ver!

Quando me dizem isto, toda a graça

Não és sequer razão do meu viver,

Duma boca divina fala em mim!

Pois que tu és já toda a minha vida! E, olhos postos em ti, digo de rastros: Não vejo nada assim enlouquecida...

“Ah! Podem voar mundo, morrer astros,

Passo no mundo, meu Amor, a ler

Que tu és como Deus: Princípio e Fim!...”

No misterioso livro do teu ser A mesma história tantas vezes lida!

Possivelmente o mais conhecido poema de Florbela (não à toa foi elencado pela banca com primeiro texto) não somente pela gravação musical que dele foi feita, mas também pelas repetidas leituras que recebeu ao longo do tempo. “Fanatismo” é uma das melhores representações do amor romântico na obra da poeta, pois o amor aqui expresso está em um plano ideal, espiritual e incondicional, já indicado pelo título e pelas associações a elementos religiosos. A expressão “alma”, logo no primeiro verso, vem situar em que nível se encontra esse amor. A “cegueira dos olhos” remonta tanto ao fanatismo quanto à embriaguez amorosa, os olhos apaixonados. O poema tem como característica central a elevação do ser amado a um estatuto divino, elevando, assim, o amor, sacralizando o sentimento amoroso e retornando a uma visão romântica de mundo, afastando-se da carnalidade. É importante notar que a visão efêmera dos sentimentos já é mencionada pelo eu-lírico, como discurso daqueles que dizem que tudo passa, no primeiro terceiro, mas é ignorada pelo amante, que toma o seu sentimento como absoluto e eterno, assim como Deus.

ÓDIO (1923)

Ódio por ele? Não.....Se o amei tanto,

Nunca mais o amar já é bastante!

Se tanto bem lhe quis no meu passado,

Quero senti-lo doutra, bem distante,

Se o encontrei depois de o ter sonhado,

Como se fora meu, calma e serena!

Se à vida assim roubei todo o encanto, Que importa se mentiu? E se hoje o pranto

Ódio seria em mim saudade infinda,

Turva o meu triste olhar, marmorizado,

Mágoa de o ter perdido, amor ainda!

Olhar de monja, trágico, gelado

Ódio por Ele? Não......não vale a pena.....

Com um soturno e enorme Campo Santo!

Neste soneto, a mulher que se sente abandonada depois de tanto buscar o ser amado afirma que não sente ódio por ele, invertendo uma possível primeira impressão do título. Ela afirma que o seu sentimento atual, como de uma monja (novamente a mesma imagem, que representa aquela que precisa esconder o que sente, sublimar seus sentimentos e agir com frieza frente a eles, por isso têm associadas a si imagens como mármore e gelo), é o resultado da mentira dele (não fica claro se por não ter a amado ou por tê-la abandonado), mas para ela o não amar mais já é o bastante. O eu-lírico cria, então, uma linha de raciocínio lógico que afirma que sentir ódio é sentir a mágoa de tê-lo perdido e que isso ainda seria amor, um sentimento que ele (eu-lírico) não dedicará mais ao ser amado, provando a sua libertação em relação àquele que amou.

Charneca em flor → (escrito em 1930, organizado por Guido Battelli, e publicado em 1931 sob o impacto da morte da poeta). Livro mais controverso da poetisa, justamente por ser a obra que ela conclui para ser publicada e se suicida logo a seguir. Ela tinha travado uma amizade intelectual com o crítico italiano Guido Battelli, que, além de tradutor de sua obra para o italiano, foi o editor de Charneca em flor. O título carrega uma antítese, pois em Portugal charneca é um nome dado a terrenos áridos e pedregosos cobertos de urze (um tipo de vegetação rasteira, mas com flores coloridas). Vale lembrar, justamente para não confundir, que, no Brasil, curiosamente, o termo ganhou significado oposto, representando área de características pantanosas, como brejos e banhados, cobertos de vegetação baixa ou capinzais, com algum grau de alagamento. Para Florbela, a vida que vive é uma charneca (árida e pedregosa), mas se encontra em flor (que, além de bela, tem o significado de vitalidade, sexualidade e paixão, como se pudesse entrar em uma fase da existência -uma primavera da vida – na qual a paixão pudesse obliterar o sofrimento). Neste livro temos a mais sedutora e realizada Florbela, falando dos seus desejos de forma clara e direta, sem mais precisar os seus sentimentos, numa espécie de maturidade de sexualidade e liberdade.

Como poetisa, Florbela celebra a vida em Charneca em flor (1931), celebra a natureza feminina, a vida em plenitude e finitude, a condição trágica da existência . Como Lilith e Dionísio, a poetisa se vê diante dos seus desejos e da sua potência geradora, negando as convenções, rompendo com as leis sociais e alcançando a sua liberdade, tal como o condor nos picos mais altos ou os chacais na charneca alentejana.

SER POETA (1931) Ser poeta é ser mais alto, é ser maior

É ter fome, é ter sede de infinito!

Do que os homens! Morder como quem beija!

Por elmo, as manhãs de oiro e de cetim.

É ser mendigo e dar como quem seja

É condensar o mundo num só grito!

Rei no Reino de Aquém e de Além Dor! E é amar-te, assim, perdidamente.. É ter de mil desejos o esplendor

É seres alma, e sangue, e vida em mim

E não saber sequer que se deseja!

E dizê-lo cantando a toda a gente!

É ter cá dentro um astro que flameja, É ter garras e asas de condor!

Neste soneto, o que pode ser definido como metalinguístico, temos a tentativa de definição do que significa ser poeta e, por extensão, do que pode significar a própria poesia. Ser poeta elimina a questão de gênero e coloca aquele que escreve numa posição superior, justamente porque pode explicitar sentimentos que, muitas vezes, as pessoas “normais” não conseguem (como já vimos ser comum no simbolismo).

Por meio de várias definições (feitas com a reiteração do verbo ser e do verbo ter), a voz lírica vai, antiteticamente, apresentando as virtudes do ser poeta, para chegar ao final reafirmando que tudo isso deriva da capacidade de amar, de expor esse amor e de fazêlo cantando, bem aos moldes dos trovadores medievais nas cantigas de amor (mas com a sempre necessária lembrança de que em Florbela existe uma inversão de papéis, já que é uma mulher quem manifesta esse desejo.

AMAR! (1931) Eu quero amar, amar perdidamente!

Há uma Primavera em cada vida:

Amar só por amar: aqui..... além.....

É preciso cantá-la assim florida,

Mais Este e Aquele, ou Outro e toda a gente....

Pois se Deus nos deu voz, foi para cantar!

Amar! Amar! E não amar ninguém! E se um dia hei-de ser pó, cinza e nada Recordar? Esquecer? Indiferente...

Que seja a minha noite uma alvorada,

Prender ou desprender? É mal? É bem?

Que me saiba perder.......pra me encontrar.....

Quem disser que se pode amar alguém Durante a vida inteira é porque mente!

O mais explícito poema da lista sobre o tema da efemeridade do amor e da experiência do desejo. A partir da brevidade do sentimento amoroso, a voz lírica vai enunciando que não fetichiza um amor eterno e transcendente. Quer apenas o instante para poder aproveitá-lo, apontando, assim, para o amor carnal, como ruptura do amor romântico e idealizado (tão comumente presente nas obras da poetisa). A volúpia e a fugacidade exprimem a transgressão feminina, que, altruísta e egoísta, representa o momento de liberação das convenções sociais. A noite que carrega em si os elementos noturnos da sexualidade e da morte, é desejada enquanto alvorada, momento que marca o início do dia e, por extensão, da vida. Assim por meio de antíteses, o eu-lírico apresenta um dos temas mais comuns do Barroco, pois, ao se deparar com a única certeza de todo ser vivente, a morte, metaforizada pelo “pó, cinza e nada”, resta apenas o desejo de que a vida “valha a pena”.
Resumo UFRGS - Florbela Espanca-convertido

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